El sábado 3 de noviembre se estrena por primera vez en Madrid este monólogo contra el cáncer de Carlos Be, interpretado por Sara Moros y dirigido por Sandra Dominique. Serán cuatro únicas funciones, los sábados de noviembre a las 20.15 h en los Teatros Luchana.





¿Se puede hablar de una enfermedad dramática con humor? Sara Moros nos demuestra que sí en un monólogo vitalista de Carlos Be que habla sin tapujos sobre el cáncer y la superación. A Margarita le quedan ciento ochenta días por culpa de un cáncer de lo más anodino, de vesícula biliar, ¿para qué sirve esta vesícula? Ya no hay tiempo para preguntas y Margarita encarará sus últimos días persiguiendo sus sueños a contrarreloj bajo una mirada iluminada por tantos deseos que nos hará sonreír y sentirnos muy cerca.

"Mientras leía A Margarita –relata Sara Moros– fue naciendo en mí el deseo imperioso de pronunciar las palabras que ella decía y elaborar los pensamientos que pasaban por su mente. Esa mujer me iba a dar la oportunidad de trascender mi propia experiencia vital, la más transformadora que he vivido hasta ahora: mi encuentro con el miedo a la muerte, a la enfermedad y a la mutilación".

A Margarita se estrenó en España el pasado mes de septiembre en la población natal de Sara Moros, Ocaña. Ahora recala en Madrid para relatarnos los últimos seis meses de una mujer acuciada por un cáncer terminal, donde Carlos Be sorprende con un nuevo giro inesperado en su dramaturgia al abordar un tema tan espinoso con humor y carcajadas aseguradas, sin renunciar a la profundidad característica en sus textos teatrales.

"Hay un dicho que afirma que la vida te cambia en un minuto –prosigue Sara Moros–. A mí no me gustan los lugares comunes pero a veces se imponen y te obligan a aceptar que no eres única y que es ese espacio común lo que te hace humana. Mi vida cambió en un minuto cuando, hace cuatro años, aquel señor tan antipático con bata blanca me dijo que tenía un carcinoma lobulillar infiltrante y me aconsejaba una mastectomía radical bilateral, así de radical fue la cosa, pero debía decidir yo. Y decidí lo mismo que Margarita: aceptar lo irremediable y vivir, tragarme la vida a bocanadas y aprovechar el regalo que inconscientemente despreciamos al darlo por hecho y creerlo infinito. Y cuando leí el maravilloso texto de Carlos supe que era un medio de comunicar esa experiencia mía y compartirla con otros. Para eso decidí ser actriz hace ya el milagro de treinta y cinco años".

A Margarita de Carlos Be en los Teatros Luchana
Sábados 3, 10, 20 y 27 de noviembre a las 20.15 h
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Fotografías de Raúl García

¿Hasta qué punto son libres nuestros seres queridos? La dramaturga Cristina Redondo nos interroga en la sala pequeña del Teatro Fernán Gómez con este tour de force escénico que no dejará indiferente por su calidad interpretativa y la proximidad con el público. 



Los púgiles en esta contienda familiar titulada Vientos que nos barrerán son, nada más y nada menos, que la libertad y el dolor. La libertad la encarna Maiken Beitia y recibe el nombre en escena de Julia, una madre que siempre ha soñado a través de los sueños de otros. Julia es dinámica, llena de energía y también diría que de vida, aunque, como sabemos unos cuantos, a veces la vida nos llene para pesarnos más que a los demás. En cualquier caso, Beitia nos sumerge con su sonrisa y su luz propias por los sueños de esta ama de casa que parece que al fin ha logrado volar, pero ¿hacia adónde?

Así pues, Alfonso Torregrosa encarna al dolor y es su tormento el que logra encapotar el interior de ese comedor familiar devastado por la pérdida como un huracán que girase a cámara lenta. Arrebatador Torregrosa, por lo tanto, encarnando a ese padre que no comprende el abandono e inicia una partitura en clave de dolor que lo zangoloteará por los tempos de la desesperación, desde el larghissimo propio de la soledad, echado bajo la mesa de la cocina, sobre el frío suelo de baldosas que tanto recuerda a la piscina que recorriera a nado su hija desaparecida, hasta un prestissimo glorioso, qué digo, un allegro prestissimo con fuoco y muchísimo alcohol en una escena sin parangón donde el hombre, totalmente ebrio y con las esperanzas aniquiladas prendidas en ambos puños, destroza el recuerdo de la mujer que le ha traicionado en una batalla encarnizada contra los fantasmas. Ya escribí sobre Torregrosa en Último tren a Treblinka, que sigue de gira y donde repite periplo teatral con Beitia, y mantengo aquellas palabras de antaño. Creo que ya es hora que este actor se lleve un Max en reconocimiento a su carrera y Vientos que nos barrerán le proporciona un trampolín idóneo para este cometido.

Completa el elenco Andrea Trepat, una joven actriz que recorre con soltura escenarios independientes y no tan independientes. Ella interpreta a Tita, una hija alejada del cariño y los abrazos de sus padres, a quienes tanto les tiene que recriminar y tan poco que agradecer, y que ahora debe soportar sus embates con estoicidad y aplomo. La dirección a cargo de Laura Ortega abriga esta texto muy cinematográfico y lo devuelve al redil de la escena gracias a la imaginación y el buen hacer de su directora, al tiempo que sabe apoyarse grácilmente en los tres actores y aprovecharles al máximo en esta interpretación a tres bandas: las propias de la sala y también las del triángulo enfrentado en esta historia.

Recomiendo esta obra a un público que busque un teatro honesto, realizado con mucho cariño, entrega y un pellizco de querer cambiar el mundo, sabéis a qué me refiero, esa materia tan delicada y peligrosa a la vez, que como te pases un poco en la cantidad te agría el conjunto con su hálito pretencioso, pero si la dosificarla convenientemente consigues centellas en las miradas de los espectadores. Este último es el caso de Vientos que nos barrerán, donde las sensibilidades de los miembros de la compañía Spectare se aúnan para mostrarnos una vida encerrada entre cuatro paredes que un buen día aprende a latir y hace estallar las ventanas de la cocina.

Visto en el Teatro Fernán Gómez (Madrid) el martes 23 de octubre de 2018
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¿Cuáles son esas cinco palabras que nos han hecho felices tantas veces? Os las revelo al final...


Arriba se representa El público de Federico García Lorca y Lluís Pasqual, y los lugareños del extinto bar del Mari Guerri se descalzan y vacían sus zapatos de aquella arena azulada que llenó el teatro y la imaginación de los privilegiados espectadores que tuvieron el honor de presenciar este hito del teatro español. Blas, el camarero, les recibe a todos con la sonrisa característica de "los camareros buenos del mundo". Allí están todos, incluido el autor, José Ramón Fernández, a quien solo se le puede decir que qué proeza, que a sus pies, que qué más después de tanto amor; y él puede que se resigne a mirarnos directamente a los ojos y pida tan solo, en silencio, un abrazo.

Ernesto Caballero firma una dirección orquestada por el texto y los intérpretes que engrandece un espacio tan minúsculo como la Sala de la Princesa, y la imbuye en un tiempo propio —escribo este segundo párrafo y no puedo evitar referirme de nuevo a la mejor cuña jamás oída antes en un teatro— y José María, ese patán tan real que todos los teatreros queremos y desdeñamos por igual, nos brinda su memoria resguardada en una bolsa de plástico de supermercado llena de programas de mano minuciosamente guardados en fundas transparentes. Él es Pepe Viyuela, pero Viyuela es también Buster Keaton —y se nota tanto que actor y personaje se adoran, se aman—, es Adolfo Marsillach y es Max Estrella en una escena de Luces de bohemia que deja sin aliento y nos arroja de lleno, arropados en vértigo, hacia el viaducto de Segovia donde Eduardo Llopis, sobre una escalera corta de tres peldaños, se precipitará al vacío en el único lugar verdadero de Madrid. Nos recoge de la caída la luz de los ojos encendidos de Viyuela, que son todo vida en este escenario.

Viyuela encabeza un reparto encomiable que no cesa de multiplicarse. Ellos son trece pero también los cerca de más de sesenta que interpretan, y los que se han quedado a la orilla de la escena, que seguro no en el tintero y en las notas de Fernández. Ahí están juntos de la mano, los ficticios y los reales: Núria Espert, Marisa Paredes y María Asquerino; Ofelia, Doña Rosita y Práxedes; José María Rodero, Mario Gas y Josep Maria Benet i Jornet; Hamlet, Goya y un señor de Murcia. Existe otro elegido en este viaje nuestro, Julián Ortega, quien es al tiempo José Pedro Carrión y Fuso Negro; es él quien nos descubre la oscuridad del sueño mientras baila con la esencia del teatro bajo el cuero.

Al equipo artístico y técnico al completo de esta función, tan solo agradecerles tanto y desearles lo mejor. A vosotros, simplemente deciros que no os lo perdáis. El resto depende de vosotros. En serio, algo muy grande está pasando en la sala pequeña del María Guerrero.

Ah, me olvidaba... ¡"La función va a comenzar"!

Visto en el Centro Dramático Nacional (Madrid) el miércoles 3 de octubre de 2018
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Hace aproximadamente un año se publicó en la revista Estreno el monográfico 50 voces contra el maltrato, que recogía los trabajos dramáticos elaborados por cincuenta dramaturgos y dramaturgas españoles bajo una temática común: la violencia conyugal contra las mujeres.

La revista Estreno, con sede en Estados Unidos, lleva más de cuatro décadas promocionando el teatro español contemporáneo en todo el mundo. Su espectáculo Voces en el silencio está basado en una selección de piezas de aquella antología bajo la dirección de Juana Escabias.

Voces en el silencio reúne obras breves de Carlos Be, Elena Cánovas, Annie Castaño, Javier de Dios, Diana de Paco, Juana Escabias, Yolanda García Serrano, Miguel Murillo, Xènia Reguant, Juan Carlos Rubio y Alfonso Zurro. La interpretación corre a cargo de Diego Álvarez, Aris Athanasiadis, Juana Escabias, Lorena García, Alejandro E. Martín, Alicia Parra, Sabela Puentes, Alejandro Rebollo y Cinthya Reina.

La presentación tendrá lugar en Facultad de Filología de la Universidad de Salamanca dentro de los actos del X Congreso Internacional de la Asociación Universitaria de Estudios de las Mujeres (AUDEM) este sábado 6 de octubre de 2018 a las 19 h, cuyo lema de este año es "la Universidad de las mujeres. Ocho siglos de luces y sombras".

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Seguimos en Europa, donde no existe lo único sino el suceso. Por ello, cualquier esperanza queda arrasada por el sarcasmo; y las singularidades, condenadas al terrorismo.

Mientras los migrantes sueñan con Europa, Europa se ha convertido en una región a la deriva para los europeos, que permanecen a flote "abrazando a nada". Los clichés, los prejuicios y todo aquello permitido -o tolerado- por la economía comunitaria enraízan en una población que, carente de referentes libres de manipulaciones, termina por pudrirse, plagando el continente con una fauna anónima que apenas poseen nombre de pila y con quienes resulta muy difícil comulgar: parejas disfóricas, psicópatas xenófobos, exmaridos asesinos...

En este su espectáculo más reciente, Íñigo Guardamino vuelve a presentar una sucesión de cuadros de distintas intensidades y extensión que se entreveran sin orden aparente para epatar a un espectador preocupado por la actualidad del país y europea. La dramaturgia de este autor presume de una intencionalidad cercana a la de Esteve Soler en sus heptalogías e imprime a las noticias una media sonrisa socarrona o un giro extra que no pretende superar una realidad ya de por sí pasada de vueltas, sino acercárnosla desde un punto de vista diferente al habitual.

No existe lo único sino el suceso, decía, y Guardamino nos presenta a Europa como una inabarcable concatenación de sucesos donde no se nos permite simpatizar con los protagonistas. Así mismo, como en Auto de los inocentes, reaparece la ablación como monólogo de dolor en boca de una mujer, en este caso interpretado por Sara Moraleda. Y como en susodicha obra, una vez más son los inocentes quienes tendrían tanto que decir y callan o son acallados; todo ello contemplado por la mítica Europa y un toro blanco que es Zeus, quien no puede más que entristecerse.

Las actuaciones de los cuatro intérpretes, Sara Moraleda, Rodrigo Sáenz de Heredia, Fernando Sainz de Maza y Gemma Solé, cumplen con creces las expectativas aunque, como en todo suceso, nos recuerdan que más que personajes interpretan hechos; en este caso, palabras convertidas en hechos. Como anotación al margen, comentar que el ambigú del teatro es un espacio con el que hay que lidiar y, a pesar de los talentos del iluminador Pedro Guerrero y del escenógrafo Alessio Meloni, hay momentos en los que la plástica y las acciones se resienten y se subyugan ante un texto urgente, prioritario e imponderable.

Visto en El Pavón Teatro Kamikaze (Madrid) el viernes 21 de septiembre de 2018
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